吕乃基

近日与朋友谈及拉赫玛尼诺夫的作品，他的钢琴协奏曲、交响曲，还有小品，如“春潮”等。感到他的作品具有特别的张力和内在的动力，旋律的音域并不很宽，却很舒展悠长。

网友回答：拉赫玛尼诺夫的钢琴协奏曲怎么敢听？尤其是他的二钢。在特殊压抑的社会，其悲，其愤……，在巨人（拉氏身高1.9m以上）的身躯里有一颗远为宏大的心魄。

我听的时候并未联想起这些社会背景，感到这样听，能够超越其国籍和时代，听出其普遍和永恒的价值。自己的心中也会自然和放松，不会背负如此重担，从而较为单纯地欣赏音乐本身。不过，这样听，也会失去很多“嵌入”的部分，从而失去深刻性。

笔者曾写过关于知识的系列博文，走进世界3-知识论之一，其中的重要内容是关于编码知识和隐性知识，参见编码知识、隐性知识和中国－知识论之二。由此可以考察上述听音乐的感受。

无疑，拉赫玛尼诺夫，或者其他作曲家，不能脱离其时代和社会背景，所写的作品必然打上相应的烙印。正因为如此，哪怕听陌生的曲子，如果是名家，大概在几个乐句后能分辨出是拉赫玛尼诺夫，还是肖邦，或是李斯特；或者能辨别出北欧、俄罗斯、还是美国。于是，音乐，必然是嵌入编码知识和隐性知识，与作曲家本人和语境（初始条件和边界条件）不可分离。至于东方音乐，如中国和日本，其个性更是鲜明。

然而作曲家，尤其是名家的作品，一定，是的，一定具有非嵌入性，一定涉及人性最深邃的共性。这样，其作品方可能为更多素不相识、远在天边的爱乐者欣赏，在后世的爱乐者引起共鸣，具有普遍和永恒的价值。美国福斯特及其《老黑奴》等歌曲之所以家喻户晓，有人这么说，福斯特只是拨弄了人性的一根弦，思乡之弦，然而仅此也就“拨弄”了所有的人的心弦。名家之“名”，在于其独特的个性和风格，在于由此所表达的人的共性，在于个性与共性的结合。顺便说，我认为，我们大概只能在近现代（20世纪中叶之前）的作曲家哪儿可以听到具有“普世”意蕴的音乐，在后现代作曲家可能越来越难以听到或辨别了。参见知识之树－知识论之五。

作品经过指挥家和演奏家的演绎（加上了他们自己的解释），在最后的听众那里引起这样或那样的感受。对于最后的消费者来说会有以下可能：第一感，会是在非嵌入编码知识的层面，以人心相通的古今之理去感受和理解；第二感，追寻作曲家的人生和社会背景。要是听众有与之类似的经历，处于类似社会，就会从心灵深处泛起更大的波澜，激起同一频率的悲与愤。第三感，将第一和第二感相结合。这样的三个阶段，似乎与“看山是山，看山不是山，以及看山依然是山”，有共同之处。

这里说的是听音乐，实际上教学，乃至日常谈话，都有与此相通之处。让学生或对方接受且有共鸣，其一，是否包含有为人的共性，包含有世界的常理；其二，是否能激起并使之回忆其类似的场景，或者勾画并带领对方进入自己曾经历过的语境，前者是共享，后者是互补。其三，以适当的方式。这些问题就逐步进入传播学领域了。

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